La Edad Dorada de Hollywood: Orry-Kelly

¿ Quién fue Orry- Kelly? ¿ Cual fue su aportación al mundo del cine y la moda? ¿ Por qué se convirtió en uno de los diseñadores más influyentes de la Era Dorada?

Orry- Kelly (1897-1964) fue el jefe de vestuario de la Warner (1932-1945) participando en grandes clásicos como "Jezabel" (William Wyler, 1938), "El Halcón Maltés" (John Huston, 1941) o "Casablanca" (Michael Curtiz, 1942).
Vistió a  Bette Davis, una de sus favoritas,  Barbara Stanwick, Olivia de Havilland o Katharine Hepburn ( para quien diseñó el vestuario de su debut en Broadway). 

Ganador de tres Oscars por " Un americano en París"( Vicent Minelli, 1951), "Les Girls" (George Cukor, 1957) y " Some like it hot" ( Billy Wilder, 1959).

El vestuario es fundamental para crear una estrella, a Orry-Kelly le gustaba poner énfasis en el cuello y el escote, "porque es la zona que enmarca el rostro y en los primeros planos cinematográficos acentúa la personalidad de la estrella". Los vestidos largos y lánguidos con puños destacados marcaron su trayectoria en los años 30.

Fue uno de los más influyentes diseñadores de la Era Dorada de Hollywood,  junto a  Gilbert Adrian (MGM) y Travis Banton (Paramount) porque en ese momento los estudios monopolizaban todo el proceso de producción y él era el jefe de diseño de uno de los más importantes. Llegaron a manejar, en los años 30, un presupuesto anual de más de seis millones de dólares cada uno.

Fuentes:http://www.silverscreenmodiste.com, " Mis inmortales del cine, años 30" Terenci Moix;

La Edad Dorada de Hollywood: Travis Banton

¿ Quién era Travis Banton? ¿ Cual fue su aportación al mundo del cine y de la moda? ¿ Por qué está considerado uno de los diseñadores de vestuario más influyentes de Hollywood?

Travis Banton, (1894-1958) fue el jefe de vestuario de la Paramount en la Época Dorada de Hollywood, de 1924 a 1938.

Con la colaboración del director Josef von Sternberg, el cámara Lee Garmes y el director artístico Hans Dreier, creó un estilo visual propio en  ropa,  maquillaje y decorados que fue conocido como "Hollywood Barroco". Banton lo  consiguió mediante  el uso de un vestuario suntuoso, sensual, realizado con tejidos muy ricos, con adornos o brillos, e  impartiendo   movimiento a las escenas a través del uso prodigioso de  plumas o velos.

Aunque vistió a actrices muy populares en los años 30, como Carole Lombard, Mae West o Claudette Colbert, se le conoce por impulsar el mito de MARLENE DIETRICH, cuando creó para ella una imagen sensual, andrógina, dura y muy potente y la enseñó a moverse y comportarse para completar su look. En películas como Marruecos (1930) viste a Marlene con un smoking como símbolo de la unión del poder, dinero y la masculinidad, en El expreso de Shangai llena su vestuario de plumas y velos y en  La Venus rubia (1932) utiliza vestidos con tejidos barrocos, todas ellas dirigidas por  Von Stenberg, contribuyeron a crear el mito.

Morocco, 1930, el smoking se hace presente

Shangai Express, 1932, plumas y velo

Shangai Express, 1932, velo y plumas

Blonde Venus, 1932, con plumas y brillos

El trabajo de Travis Banton es tan actual que  temporada tras temporada los diseñadores le rinden homenajes a través de su musa, Marlene, como en el desfile de O/I 2012/13 de Donna Karan, la colección de Marchesa, Ralph Lauren o Proenza Shouler. Incluso Barbie le ha hecho un homenaje al ponerse  el vestido negro de plumas de Shangai Express.

Marisa Berenson: icono de estilo desde los años 60

La gala del MET 2012, celebrada en mayo, exploraba la relación imaginaria entre Elsa Schiaparelli y Miuccia Prada, y las revistas de moda se llenaron de reportajes sobre estas dos grandes modistas y, de forma colateral, recordaban a Marisa Berenson, nieta de la modista italiana. Vogue España le dedicó un reportaje repasando su estilo en 23 fotos del Archivo histórico de la firma:

http://www.vogue.es/galerias/fotos-antiguas-marisa-berenson-schiaparelli

Aquí os dejo un adelanto con dos de mis estilismos favoritos. 



Y yo, modestamente, me uno a este homenaje porque es una mujer que me encanta, la descubrí hace muchos años en la película "Cabaret", una de mis favoritas, y a través de los reportajes de la revistas Hola.

La Berenson ha mantenido todos estos años un estilo propio,  libre, un poco andrógino y bohemio, subrayado por  sus grandes ojos de mirada profunda y triste: enormes pamelas, collares largos y numerosos, túnicas y turbantes, vestidos vaporosos y pantalones de campana y su melena muy lisa o muy rizada y casi siempre suelta, lo que ahora llamamos Hippy Chic o Boho Chic, un look en el que se inspira Frida Giannini con su colección Primavera/Verano 2013 para Gucci.


  


 Yves Saint Laurent, la llamó " la reina de los 70" porque no se perdía ninguno de las fiestas de Nueva York, sobre todo las de  Studio 54, saltó a la fama como modelo publicitaria a principios de los 60 y  aparece  por primera vez en la revista Vogue de la mano de la Diana Vreeland, en la que colaboraba como fotógrafa su hermana Berry. No solo fue una de las modelos mejor pagadas de su época, también trabajó como actriz en más de 60 películas, entre las que destacan, "Muerte en Venecia" de Luchino Visconti (1971), "Cabaret" de Bob Fosse (1972) por la que fue nominada a los Globos de Oro y al BAFTA, o "Barry Lyndon" de Stanley Kubrick ( 1975). 
 
Tiene una familia muy glamurosa, es hija menor de Robert L. Berenson, un diplomático estadounidense de ascendencia lituana y judía, el verdadero apellido de su familia era Valvrojenski. Su madre era la Condesa María Luisa Yvonne Radha de Wendt de Kerlor, más conocida como Gogo Schiaparelli, una dama de ascendencia italiana, suiza, francesa y egipcia. Su abuela materna era la diseñadora de modas italiana Elsa Schiaparelli y su abuelo materno, el conde Wilhem de Went de Kerlor, un teósofo y medium. Su hermana Berry, fue modelo, actriz y fotógrafa y mujer del actor Anthony Perkins. Greta Garbo era amiga de la familia y Gene Kelly le enseñó a bailar. Y, entre su pandilla de amigos estaban Andy Warhol o Liza Minelli.

Un libro recoge su trayectoria: Marisa Berenson: A Lyfe in pictures.

Y en estas fotos podemos verla en la actualidad, fiel a su estilo.

Cuando las mujeres tenían poder: cine pre código

El periodo comprendido entre 1927 y 1934 es conocido como "pre code", la época en la que no había censura y las historias en el cine eran frescas, libres y valientes, y demasiado "sensuales" al juicio del puritanismo católico.

Actrices como Jean Harlow, Barbara Stanwick, Bette Davis, Norma Shearer y, sobre todo, Mae West fueron el prototipo de la mujer inteligente,  fuerte, decidida, glamurosa y sensual, capaz de conseguir todo lo que se proponía, y esto fue demasiado para la moral de la época.

Desde entonces, pocas veces las mujeres  han vuelto a representar personajes con personalidad propia y ajena a los estereotipos.

El documental "Complicated Women", de 1993 nos descubre ese cine y a sus actrices más célebres:

-"The Divorcee", 1930 y "A free soul",1931 con Norma Shearer

-" Illicit", 1930, "Night Nurse", 1931; "Ladies of Leisure", 1930, con Barbara Stanwick

- "Lady Lou", 1933 y "Night after night", 1932 con Mae West.

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"EL VIAJE A LA LUNA" de George Méliès

¿Quién no conoce el fotograma en blanco y negro de un cohete aterrizando en el ojo de una luna sonriente?. 

La imagen forma parte de un cortometraje, "El viaje a la luna", clave en la historia del séptimo arte, una adaptación muy particular del clásico de Julio Verne, De la Tierra a la Luna (1865) y la novela de H.G. Wells, Los primeros hombres en la Luna (1901), filmado por George Méliès en 1902.

En 1993 se encontró en la filmoteca de Cataluña una copia coloreada de la película, un hallazgo increíble, porque el original había desaparecido y sólo existian copias en blanco y negro. En 2011 se estrena en Cannes el documental "Le Voyage Extraordinaire" dirigido por Serge Bromberg, un viaje a los inicios del cine y a la vida y obra de un hombre extraordinario y que documenta el costoso proceso de restauración del cortometraje, y posteriormente se exhibe la obra maestra, 15 minutos deliciosos que no os podéis perder:

 

Pero, ¿por qué es tan apasionante la vida y la obra de Méliès?

 Georges Méliés (1861-1938) fue el creador del espectáculo cinematográfico, el pionero en la creación de mundos fantásticos y míticos, el primero en utilizar efectos especiales; en dieciséis años filmó más de 500 películas (de las cuales se conservan unas 200), pero en 1925 estaba totalmente arruinado y vendía juguetes en un pequeño kiosko de la estación de Montparnasse, en París.

George Méliès estaba destinado a ser el gerente de la zapatería de su padre, así que desarrolló su afición a la magia y los malabares en sus ratos de ocio y tuvo que esperar a 1888, cuando su progenitor abandonó el negocio, para vender sus acciones a sus hermanos y comprar el teatro Robert Houdin a los herederos de su admirado mago. Durante los siguientes siete años se dedica  a crear espectáculos y trucos nuevos donde se supera cada día, hasta que en 1895, la invitación de Antoine Lumiére a la primera representación del Cinematógrafo, cambia su vida, queda tan  impresionado  que les hace  una oferta para incluirlo en su función. Ante la negativa, el prestidigitador acaba comprando el aparato de otro inventor, Robert William Paul y el 5 de abril de 1896 proyecta las primeras películas en su teatro; eran pequeñas escenas al aire libre, documentales similares a las de los hermanos Lumière, pero él quería más, quería filmar ficción, utilizar la imaginación y crear nuevos mundos. Para ello construye el que se consideró el primer estudio de cine, una inmensa casa de vidrio para filmar a la luz del sol en la que se utilizaron sistemas mecánicos, trampillas y otros mecanismos de puesta en escena. En este lugar rodó unos 400 espectáculos/películas que eran puro ilusionismo.

Su éxito fue inmenso pero no le acompañó en la parte financiera porque sus cortos comenzaron a copiarse y distribuirse por todo el mundo sin licencia y además no escatimaba en gastos para poner en marcha los proyectos más novedosos. En 1928 León Druhot, el editor del primer  Ciné Journal lo descubre en la tienda de juguetes de la estación de Montparnasse y lo presenta del nuevo al mundo: El viaje a la luna y otras películas que sobrevivieron al paso del tiempo ( 20.000 leguas de viaje submarino o Viaje a través de lo imposible) se exhibieron en los teatros de todo el mundo. D.W. Griffith, el genio del cine, declaró que se lo debía todo a Méliès. Charles Chaplin lo llamó "el alquimista de la luz". Buster Keaton, por su lado, confesó que siempre había querido filmar El hombre orquesta, de 1900, en la que siete Georges Méliès, cada uno con su instrumento, tocaban una pequeña pieza musical. Meliés por fin es reconocido como el hombre que se inventó todo el cine: el terror, la ciencia ficción, los comerciales, el color, el cine animado, las adaptaciones, los efectos especiales.

La película de 2011 "La invención de Hugo Cabret" de Martin Scorsesse y que se basa en la novela homónima de Brian Selznick es un homenaje a este gran ilusionista del cine.

Fuente: Documental "Le Voyage Extraordinaire". Serge Bromberg.

Los trajes de novia de los años 60/70

A finales de los años 60, cambió el modelo clásico de traje de novia: el color rosa, azul o marfil desbanca al blanco, la minifalda al traje largo  y los gorros, flores o tocados desbancan al clásico  velo;  los modistos y celebrities se atrevieron con diseños más acordes con una época creativa, desenfadada y moderna. Estos son algunos de mis trajes favoritos que marcaron tendencia. Lástima que ahora no se arriesgue y volvamos una y otra vez al canon clásico y muchas veces pacato de otras décadas.

Sharon Tate en 1969

Liz Taylor y Richard Burton 1964

Audrey Hepburn en 1968

Jane Fonda y Roger Vadim 1965

Bianca Jagger de YSL 1971

Sonia Bruno 1969

El estilo Jackie

Jackie Kennedy Onassis, un icono del siglo XX y de este siglo, como demuestran temporada tras temporada los grandes modistos que se inspiran en ella.

 Era una persona culta y carismática y sabía muy bien lo que quería y lo que le sentaba bien en moda.

Hay épocas muy diferenciadas: como primera dama de los EEUU de 1960 a 1963 y como mujer del armador griego Aristóteles Onassis ( 1968-1975).

En su etapa como primera dama, la que le convirtió en icono, y la que define su estilo, Oleg Cassini le diseñó unos 300 trajes, aunque también vestía de Givenchy, Chanel y  Dior. Convirtió los trajes de chaqueta, los guantes blancos y los sombreros pill box en su señas de identidad y amenudo utilizaba el blanco, tanto de día como de noche. Entre sus joyas, subastadas meses después de su muerte, destacaban las perlas. Su melena lisa y corta o al hombro fue copiada por todas las mujeres de la época.

Oleg Cassini, cena de gala en México

Oleg Cassini

La segunda etapa comienza cuando Jackie se casó con el armador griego Aristóteles Onassis, el 20 de octubre de 1968 , fue un matrimonio por interés, ella buscaba el dinero y la seguridad de Onassis, meses después del asesinato de su cuñado Robert kennedy, y él el prestigio social que ella tenía.  El matrimonio finalizó a la muerte de Onassis en 1975 aunque el armador ya había iniciado los trámites de divorcio y quería volver con Maria Callas. En esta época Jackie se dedicó a viajar y gastar la fortuna de su marido, vistió de Yves Saint Laurent, lució  los estampados de Pucci , alargó su melena  y puso de moda las gafas oversize.

Jackie de Pucci en Skorpios

Jackie de YSL, años 70

Alexandre: La imaginación en el pelo en los años 70

Estaba leyendo un artículo sobre la subasta de las joyas de Liz Taylor y entre las fotos que acompañan el reportaje, está la de su boda con Richard Burtón, el hombre de su vida y quien le regaló muchas de las piezas que se subastan, entre ellas la famosa perla Peregrina, que perteneció a la corona española.

Me encanta el fantástico vestido amarillo  que eligió para hacer juego con las esmeraldas que le regaló Burton y me encanta el peinado que le hizo el peluquero Alexandre.

 En los años 60 y  70 en las grandes fiestas que celebraba la jet set y que yo veía en la revista Hola, las mujeres llevaban unos tocados espectaculares y muchos de ellos estaban firmados por Alexandre, creador del "moño artístico"

Este hombre es el artífice de los peinados que luce Liz Taylor en Cleopatra, de los elaborados moños que lució la princesa Gracia de Mónaco en el baile del Centenario y en los bailes de la Cruz Roja y de la Rosa, o del moño cuajado de diamantes que llevó Jackie Kennedy a una cena de gala  en  el Palacio de Versalles en 1961.

Entre sus clientas estaban también Greta Garbo, Audrey Hepburn, Lauren Bacall, Liza Minelli, Shirley Maclaine, Maria Callas, Romy Schneider o Cyd Charise. También había sido el peluquero de la duquesa de Windsor y de diferentes miembros de la nobleza europea. Alexandre entró en el círculo de las familias de sangre azul en 1946, cuando realizó el peinado de la bégum Aga Khan para su boda.

Trabajó también  Chanel, Grès o Yves Saint Laurent. 

Lillian Bassman: una de las últimas grandes mujeres fotógrafos del mundo de la moda.

El 13 de febrero falleció Lillian Bassman a los 94 años, reconozco que su nombre no me decía nada, después de leer el artículo que le dedicó El País, me puse a buscar sus fotos  y aparecieron trabajos que había visto una y otra vez en diferentes revistas y reportajes de moda,  fotografías en blanco y negro  de  mujeres elegantes y sofisticadas.

Aquí resumo una parte del artículo que le dedicó El País y la web www.talcualdigital.com:

Su talento la llevó a posicionarse como una de las más importantes fotógrafas de moda del último medio siglo es, además, uno de los ejemplos más claros de mujeres que, en los años 40 y 50, pudieron compatibilizar su labor artística con el ciudado de una familia.

Nació en Brooklyn el 15 de junio de1917, proveniente de una familia de intelectuales judíos libre-pensadores inmigrantes, creció en un ambiente que le permitía vivir como una mujer independiente y no convencional.En 1935 contrajo matrimonio con el, también, fotógrafo Paul Himmel.

Estudió y trabajó como diseñador textil e ilustrador de moda antes de trabajar en Haper’s Bazaar con el todopoderoso director de arte Alexey Brodovitch, donde llegó a ser directora artística y promocionó a Richard Avedon, Robert Frank, Louis Faurer y Arnold Newman,  llegando a convertirse en fotógrafo.

Según los expertos las calidades más notables de su trabajo fotográfico son los altos contrastes entre luces y sombras, la ausencia de grano en sus fotos acabadas y los ángulos geométricos de colocación de la cámara y los temas. También utilizaba recursos técnicos como el flou vaporoso, el tiraje mediante reducción o la exposición selectiva.Sus imágenes de moda  son únicas, alcanzando su efecto a través de la manipulación en el cuarto oscuro.

Por los años 70, se dio cuenta de que su estilo de fotografía no casaba con el actual y abandonó la fotografía de moda, volviendo a sus propios proyectos y destruyendo la mayor parte de sus negativos y copias de 40 años de trabajo.

No volvió a la moda hasta la década de los 90 cuando fue redescubierta, sobre todo en Europa. Su último trabajo lo hizo para la revista Vogue en 2004.

MAD MEN: se estrena la quinta temporada

El 25 de marzo se inicia la 5ª temporada de Mad Men en USA, y ya no puedo esperar más, como siempre grabaré toda la serie en Canal + para ver los capítulos de un tirón.
Creo que hay poca gente que no conozca las andanzas de Don Draper y su agencia de publicidad, Sterling&Cooper, en la Avenida Madison, en el Nueva York de los años 60. La serie producida por AMC  y creada por Matthew Weiner tiene ya cuatro Globos de Oro, dos  Bafta y  catorce Emmys.
Mad Men me gusta, no solo porque se refleja perfectamente la moda y costumbres sociales de una época, sino también porque describe como se diseñaron las campañas de publicidad de marcas tan conocidas y todavia vigente como Lucky Strike, Playtex, Hilton o Coca Cola.


La cuidadísima ambientación de ‘Mad Men’,  la ha convertido en una enorme influencia en el mundo de la moda y las tendencias. Varios diseñadores se inspiraron en ella para sus colecciones de otoño en 2009, como Michael Kors, los grandes almacenes Bloomingdale’s le han dedicado un espacio exclusivo y los sastres Brooks Brothers llegaron a poner a la venta un traje inspirado en Don Draper.
Su diseñadora de vestuario, Catherine Jane Bryant, explica en una entrevista cómo ha recreado el ambiente de los 60: por la época en la que está ambientada la serie, la ropa se adscribe a lo que en EE.UU. se llama “periodo Camelot”, un momento de optimismo e inocencia que acabaría rompiéndose con el asesinato de Kennedy, la guerra de Vietnam y, finalmente, el Watergate, ya en los 70, y que tenía como modelos de moda femeniba a Jackie Kennedy y a Marilyn Monroe, cada una en un lado diferente del espectro. Todo el vestuario sigue la tendencia de esa época y, como la propia Bryant afirma, busca crear unos personajes específicos a través del corte de la ropa, de sus colores y hasta de todas las veces que un mismo personaje se cambia de atuendo.
El estatus social de Betty Draper, por ejemplo, se refleja en los diferentes vestuarios que utiliza a lo largo del día, dependiendo de lo que vaya a hacer, del momento del día y de los invitados que su marido tenga en casa esa noche, por ejemplo. Por otro lado, Peggy lleva mucho un cuello denominado Peter Pan, como de uniforme de colegiala, que va más acorde con su personalidad. Joan, por su parte, es un personaje fuerte que viste colores brillantes (que contrastan también con su cabello pelirrojo) y modelos que realzan su cuerpo sin ser escandalosos, con cuellos barco y sin escotes en la oficina.

The Artist, la vuelta del cine mudo

El viernes fui por fin a ver The Artist, tuve que ir sola porque ni pareja ni amigos querían ver una película de cine mudo. ¡Gran error! pero en fin ellos se lo pierden. Salí del cine emocionada, feliz y con un cosquilleo en el estómago que siempre tengo cuando veo algo muy bueno y que me gusta.

The Artist está tan bien hecha que parece que vuelvas a ver uno de los clásicos de los años 20, que yo  tuve la oportunidad de ver  en un ciclo de cine mudo presentado por Orson Welles titulado  "The Silent Years", con películas de la colección de Paul Killiam ( en realidad era una serie para TV de 1971).

Recuerdo con entusiasmo aquel ciclo de TVE2, que programaban muy tarde, sobre las 12 o 1 de la mañana, y cómo me emocionaba cuando Orson Welles comenzaba a hablar, vestido de negro sobre un fondo rojizo, de la película que iba a ver esa noche: "The General" de Buster Keaton; Intolerance" de D.W. Griffith; "Orphans of the storm" de Lilian y Dorothy Gish; Charles Chaplin en "La quimera del oro" o Buster Keaton en "El maquinista de la general"

Me acordé de todo esto después de ver en The Artist  una escena de "La máscara del zorro" (1920) de Fred Niblo con Douglas Fairbanks Sr. (que para mi sigue siendo el mejor zorro de la historia del cine).

"El acantilado rojo" de John Woo

La semana pasada en Canal Xtra empecé a ver "Acantilado Rojo" (2008) con la idea de grabarla, porque se trataba de la versión original china  de 4,5 horas, pero no pudo ser, me quedé totalmente fascinada, la coreografia de las estrategias de batalla es espectacular, los paisajes bellísimos, la fotografía estupenda, los actores, la banda sonora de Taro Iwashiro, en fin me gustó todo.

La historia transcurre en el año 208, en una China gobernada por el último emperador Han, Xian Di, pero dividida en varios estados enfrentados. El ambicioso Primer Ministro Cao Cao utiliza al Emperador como títere para declarar la guerra al reino de Xu y convertirse en Emperador de una China unificada. El reino de Xu se alia entonces con el de Wu, lo que provoca la cólera de Cao Cao, quien envía un ejército de ochocientos mil soldados y dos mil barcos en su contra, con la esperanza de acabar con ambos reinos. Los aliados han de hacer uso de la sabiduría de sus dirigentes para transformar el curso de la guerra.La batalla decisiva será la del Acantilado Rojo.

 A pesar de ser una película de personajes guerreros hay dos personajes femeninos de gran fuerza: la hermana de Sun Quan, que probará su valía como espía, y la bella mujer, también de Quan, que se jugará la vida para ayudar a las tropas de su marido en la batalla final.

Solo había visto algo similar en RAN (1985) del japonés  Akira Kurosawa,  además en  las mismas circunstancias y como más disfruto del cine: sola y de noche. Casualidades de la vida.

La película con un presupuesto de 52 millones de euros es la más cara de la historia del cine chino.