Marisa Berenson: icono de estilo desde los años 60

La gala del MET 2012, celebrada en mayo, exploraba la relación imaginaria entre Elsa Schiaparelli y Miuccia Prada, y las revistas de moda se llenaron de reportajes sobre estas dos grandes modistas y, de forma colateral, recordaban a Marisa Berenson, nieta de la modista italiana. Vogue España le dedicó un reportaje repasando su estilo en 23 fotos del Archivo histórico de la firma:

http://www.vogue.es/galerias/fotos-antiguas-marisa-berenson-schiaparelli

Aquí os dejo un adelanto con dos de mis estilismos favoritos. 



Y yo, modestamente, me uno a este homenaje porque es una mujer que me encanta, la descubrí hace muchos años en la película "Cabaret", una de mis favoritas, y a través de los reportajes de la revistas Hola.

La Berenson ha mantenido todos estos años un estilo propio,  libre, un poco andrógino y bohemio, subrayado por  sus grandes ojos de mirada profunda y triste: enormes pamelas, collares largos y numerosos, túnicas y turbantes, vestidos vaporosos y pantalones de campana y su melena muy lisa o muy rizada y casi siempre suelta, lo que ahora llamamos Hippy Chic o Boho Chic, un look en el que se inspira Frida Giannini con su colección Primavera/Verano 2013 para Gucci.


  


 Yves Saint Laurent, la llamó " la reina de los 70" porque no se perdía ninguno de las fiestas de Nueva York, sobre todo las de  Studio 54, saltó a la fama como modelo publicitaria a principios de los 60 y  aparece  por primera vez en la revista Vogue de la mano de la Diana Vreeland, en la que colaboraba como fotógrafa su hermana Berry. No solo fue una de las modelos mejor pagadas de su época, también trabajó como actriz en más de 60 películas, entre las que destacan, "Muerte en Venecia" de Luchino Visconti (1971), "Cabaret" de Bob Fosse (1972) por la que fue nominada a los Globos de Oro y al BAFTA, o "Barry Lyndon" de Stanley Kubrick ( 1975). 
 
Tiene una familia muy glamurosa, es hija menor de Robert L. Berenson, un diplomático estadounidense de ascendencia lituana y judía, el verdadero apellido de su familia era Valvrojenski. Su madre era la Condesa María Luisa Yvonne Radha de Wendt de Kerlor, más conocida como Gogo Schiaparelli, una dama de ascendencia italiana, suiza, francesa y egipcia. Su abuela materna era la diseñadora de modas italiana Elsa Schiaparelli y su abuelo materno, el conde Wilhem de Went de Kerlor, un teósofo y medium. Su hermana Berry, fue modelo, actriz y fotógrafa y mujer del actor Anthony Perkins. Greta Garbo era amiga de la familia y Gene Kelly le enseñó a bailar. Y, entre su pandilla de amigos estaban Andy Warhol o Liza Minelli.

Un libro recoge su trayectoria: Marisa Berenson: A Lyfe in pictures.

Y en estas fotos podemos verla en la actualidad, fiel a su estilo.

"EL VIAJE A LA LUNA" de George Méliès

¿Quién no conoce el fotograma en blanco y negro de un cohete aterrizando en el ojo de una luna sonriente?. 

La imagen forma parte de un cortometraje, "El viaje a la luna", clave en la historia del séptimo arte, una adaptación muy particular del clásico de Julio Verne, De la Tierra a la Luna (1865) y la novela de H.G. Wells, Los primeros hombres en la Luna (1901), filmado por George Méliès en 1902.

En 1993 se encontró en la filmoteca de Cataluña una copia coloreada de la película, un hallazgo increíble, porque el original había desaparecido y sólo existian copias en blanco y negro. En 2011 se estrena en Cannes el documental "Le Voyage Extraordinaire" dirigido por Serge Bromberg, un viaje a los inicios del cine y a la vida y obra de un hombre extraordinario y que documenta el costoso proceso de restauración del cortometraje, y posteriormente se exhibe la obra maestra, 15 minutos deliciosos que no os podéis perder:

 

Pero, ¿por qué es tan apasionante la vida y la obra de Méliès?

 Georges Méliés (1861-1938) fue el creador del espectáculo cinematográfico, el pionero en la creación de mundos fantásticos y míticos, el primero en utilizar efectos especiales; en dieciséis años filmó más de 500 películas (de las cuales se conservan unas 200), pero en 1925 estaba totalmente arruinado y vendía juguetes en un pequeño kiosko de la estación de Montparnasse, en París.

George Méliès estaba destinado a ser el gerente de la zapatería de su padre, así que desarrolló su afición a la magia y los malabares en sus ratos de ocio y tuvo que esperar a 1888, cuando su progenitor abandonó el negocio, para vender sus acciones a sus hermanos y comprar el teatro Robert Houdin a los herederos de su admirado mago. Durante los siguientes siete años se dedica  a crear espectáculos y trucos nuevos donde se supera cada día, hasta que en 1895, la invitación de Antoine Lumiére a la primera representación del Cinematógrafo, cambia su vida, queda tan  impresionado  que les hace  una oferta para incluirlo en su función. Ante la negativa, el prestidigitador acaba comprando el aparato de otro inventor, Robert William Paul y el 5 de abril de 1896 proyecta las primeras películas en su teatro; eran pequeñas escenas al aire libre, documentales similares a las de los hermanos Lumière, pero él quería más, quería filmar ficción, utilizar la imaginación y crear nuevos mundos. Para ello construye el que se consideró el primer estudio de cine, una inmensa casa de vidrio para filmar a la luz del sol en la que se utilizaron sistemas mecánicos, trampillas y otros mecanismos de puesta en escena. En este lugar rodó unos 400 espectáculos/películas que eran puro ilusionismo.

Su éxito fue inmenso pero no le acompañó en la parte financiera porque sus cortos comenzaron a copiarse y distribuirse por todo el mundo sin licencia y además no escatimaba en gastos para poner en marcha los proyectos más novedosos. En 1928 León Druhot, el editor del primer  Ciné Journal lo descubre en la tienda de juguetes de la estación de Montparnasse y lo presenta del nuevo al mundo: El viaje a la luna y otras películas que sobrevivieron al paso del tiempo ( 20.000 leguas de viaje submarino o Viaje a través de lo imposible) se exhibieron en los teatros de todo el mundo. D.W. Griffith, el genio del cine, declaró que se lo debía todo a Méliès. Charles Chaplin lo llamó "el alquimista de la luz". Buster Keaton, por su lado, confesó que siempre había querido filmar El hombre orquesta, de 1900, en la que siete Georges Méliès, cada uno con su instrumento, tocaban una pequeña pieza musical. Meliés por fin es reconocido como el hombre que se inventó todo el cine: el terror, la ciencia ficción, los comerciales, el color, el cine animado, las adaptaciones, los efectos especiales.

La película de 2011 "La invención de Hugo Cabret" de Martin Scorsesse y que se basa en la novela homónima de Brian Selznick es un homenaje a este gran ilusionista del cine.

Fuente: Documental "Le Voyage Extraordinaire". Serge Bromberg.

MAD MEN: se estrena la quinta temporada

El 25 de marzo se inicia la 5ª temporada de Mad Men en USA, y ya no puedo esperar más, como siempre grabaré toda la serie en Canal + para ver los capítulos de un tirón.
Creo que hay poca gente que no conozca las andanzas de Don Draper y su agencia de publicidad, Sterling&Cooper, en la Avenida Madison, en el Nueva York de los años 60. La serie producida por AMC  y creada por Matthew Weiner tiene ya cuatro Globos de Oro, dos  Bafta y  catorce Emmys.
Mad Men me gusta, no solo porque se refleja perfectamente la moda y costumbres sociales de una época, sino también porque describe como se diseñaron las campañas de publicidad de marcas tan conocidas y todavia vigente como Lucky Strike, Playtex, Hilton o Coca Cola.


La cuidadísima ambientación de ‘Mad Men’,  la ha convertido en una enorme influencia en el mundo de la moda y las tendencias. Varios diseñadores se inspiraron en ella para sus colecciones de otoño en 2009, como Michael Kors, los grandes almacenes Bloomingdale’s le han dedicado un espacio exclusivo y los sastres Brooks Brothers llegaron a poner a la venta un traje inspirado en Don Draper.
Su diseñadora de vestuario, Catherine Jane Bryant, explica en una entrevista cómo ha recreado el ambiente de los 60: por la época en la que está ambientada la serie, la ropa se adscribe a lo que en EE.UU. se llama “periodo Camelot”, un momento de optimismo e inocencia que acabaría rompiéndose con el asesinato de Kennedy, la guerra de Vietnam y, finalmente, el Watergate, ya en los 70, y que tenía como modelos de moda femeniba a Jackie Kennedy y a Marilyn Monroe, cada una en un lado diferente del espectro. Todo el vestuario sigue la tendencia de esa época y, como la propia Bryant afirma, busca crear unos personajes específicos a través del corte de la ropa, de sus colores y hasta de todas las veces que un mismo personaje se cambia de atuendo.
El estatus social de Betty Draper, por ejemplo, se refleja en los diferentes vestuarios que utiliza a lo largo del día, dependiendo de lo que vaya a hacer, del momento del día y de los invitados que su marido tenga en casa esa noche, por ejemplo. Por otro lado, Peggy lleva mucho un cuello denominado Peter Pan, como de uniforme de colegiala, que va más acorde con su personalidad. Joan, por su parte, es un personaje fuerte que viste colores brillantes (que contrastan también con su cabello pelirrojo) y modelos que realzan su cuerpo sin ser escandalosos, con cuellos barco y sin escotes en la oficina.

The Artist, la vuelta del cine mudo

El viernes fui por fin a ver The Artist, tuve que ir sola porque ni pareja ni amigos querían ver una película de cine mudo. ¡Gran error! pero en fin ellos se lo pierden. Salí del cine emocionada, feliz y con un cosquilleo en el estómago que siempre tengo cuando veo algo muy bueno y que me gusta.

The Artist está tan bien hecha que parece que vuelvas a ver uno de los clásicos de los años 20, que yo  tuve la oportunidad de ver  en un ciclo de cine mudo presentado por Orson Welles titulado  "The Silent Years", con películas de la colección de Paul Killiam ( en realidad era una serie para TV de 1971).

Recuerdo con entusiasmo aquel ciclo de TVE2, que programaban muy tarde, sobre las 12 o 1 de la mañana, y cómo me emocionaba cuando Orson Welles comenzaba a hablar, vestido de negro sobre un fondo rojizo, de la película que iba a ver esa noche: "The General" de Buster Keaton; Intolerance" de D.W. Griffith; "Orphans of the storm" de Lilian y Dorothy Gish; Charles Chaplin en "La quimera del oro" o Buster Keaton en "El maquinista de la general"

Me acordé de todo esto después de ver en The Artist  una escena de "La máscara del zorro" (1920) de Fred Niblo con Douglas Fairbanks Sr. (que para mi sigue siendo el mejor zorro de la historia del cine).

"El acantilado rojo" de John Woo

La semana pasada en Canal Xtra empecé a ver "Acantilado Rojo" (2008) con la idea de grabarla, porque se trataba de la versión original china  de 4,5 horas, pero no pudo ser, me quedé totalmente fascinada, la coreografia de las estrategias de batalla es espectacular, los paisajes bellísimos, la fotografía estupenda, los actores, la banda sonora de Taro Iwashiro, en fin me gustó todo.

La historia transcurre en el año 208, en una China gobernada por el último emperador Han, Xian Di, pero dividida en varios estados enfrentados. El ambicioso Primer Ministro Cao Cao utiliza al Emperador como títere para declarar la guerra al reino de Xu y convertirse en Emperador de una China unificada. El reino de Xu se alia entonces con el de Wu, lo que provoca la cólera de Cao Cao, quien envía un ejército de ochocientos mil soldados y dos mil barcos en su contra, con la esperanza de acabar con ambos reinos. Los aliados han de hacer uso de la sabiduría de sus dirigentes para transformar el curso de la guerra.La batalla decisiva será la del Acantilado Rojo.

 A pesar de ser una película de personajes guerreros hay dos personajes femeninos de gran fuerza: la hermana de Sun Quan, que probará su valía como espía, y la bella mujer, también de Quan, que se jugará la vida para ayudar a las tropas de su marido en la batalla final.

Solo había visto algo similar en RAN (1985) del japonés  Akira Kurosawa,  además en  las mismas circunstancias y como más disfruto del cine: sola y de noche. Casualidades de la vida.

La película con un presupuesto de 52 millones de euros es la más cara de la historia del cine chino.

Faye Dunaway y Steve Mcqueen: El caso de Thomas Crown.

 "The Thomas Crown affair", dirigida en 1968 por Norman Jewison y protagonizada por  Faye Dunaway y Steve Mcqueen. Guapos, sofisticados y sensuales son una de las parejas más atractivas del cine de los años 60-70 y la película me encanta.

En una de las escenas McQueen le dice a Faye, "Somos una gran pareja" y desde luego  estoy de acuerdo con esta afirmación, porque hay una química increíble entre el millonario, metido a ladrón de bancos por pura diversión y la agente de seguros que tiene que echarle el guante. La escena del ajedrez es erotismo en estado puro.

En estos dos últimos años de revival setentero no puedo dejar de admirar el vestuario de la Dunaway, creado por Theodora von Runcle y compararlo con alguna de las creaciones de Prada o Gucci. Lo único que no hemos recuperado son los moños imposibles de Faye, aunque su melena larga, rubia y con raya al medio es super tendencia. En cuanto a Mcqueen está más guapo con los jerseys negros de cuello vuelto de "Bullit" pero el traje de corte británico y el smoking le sientan muy bien.

 El tema musical se llevó un Oscar y un “Golden Globe” por mejor canción cinematográfica: "The Windmills of Your Mind", interpretado por Noel Harrison y compuesto por Michel Legrand, Alan Bergman y Marilyn Bergman.

Se hizo un remake en 1999, dirigido por John McTiernan  e interpretado por Pierce Brosnan y René Russo que para mi es totalmente olvidable.

Jeff Bridges

Siempre veo cualquier película en la que Bridges tenga un papel, por pequeño que sea, porque suele ser garantía de calidad, y efectivamente sus últimos filmes me gustaron mucho: en  "Corazón Salvaje" de Scott Cooper (2009), no solo interpreta a Bad Blake,  un cantante country alcohólico y fracasado sino que también pone voz a la banda sonora, mi canción favorita es  "What a little bit of love can do" , que está incluida en su segundo álbum, porque el chico también es cantante. Tampoco pude resistirme a su papel del US Marshal Rooster Cogburn, emulando al gran John Wayne en "True Grift" de los hermanos Cohen de 2011,  o  a su hilarante interpretación junto a Gorge Clooney, Ewan Mcgregor y Kevin Spicey en "Men who stared at goats", pero donde está guapo a rabiar en el papel del ejecutivo malvado de "Iron Man" junto a Robert Downey Jr.

Su web, www.jeffbridges.com, es una muestra de su talento y personalidad, de su puño y letra nos va presentando  su trabajo en cine, fotografía y música, además de  su obra social, participa en la Fundación End Hunger que trata de eliminar el hambre en USA.

"Sweet Charity" , vuelve la moda de los 70

Si queréis ver un resumen de las tendencias que proponen Gucci o Givenchy esta temporada, os recomiendo  ver "Sweet Charity" ( "Noches en la Ciudad") de 1969, dirigida por el gran BOB FOSSE y basada en la película de Federico Fellini, "Las Noches de Cabiria".  Estos son algunos ejemplos:

-Shirley Maclaine lleva puesto un super actual  LBD toda la película
-Los vestidos de las bailarinas están de total actualidad: mini, de tejidos brillantes, con flecos, cuellos halter, adornados con pulseras y collares XXL y maquillaje a base de ojos super marcados con eye liner y labios neutros.
-El look de Úrsula, la novia de Vittorio Vidal (Ricardo Montalban), con su melena larga, lisa, con raya al medio, abrigo visón blanco recuerda la propuesta  de Gucci O/I 2012.

Imprescindible ver esta película para respirar el ambiente en los clubs del Nueva York de los 70.
Lo que más me gusta son las coreografías tan cuidadas, teatrales y espectaculares de Fosse, que se ajustan perfectamente a la música de Cy Coleman.
 Impagable el número musical de Sammy Davis Jr. en el papel de gurú espiritual del movimiento hippy.

Este es el video completo de mi coreografia favorita:  "Rich Man´s Frug", ¿hay alguna parte del vestuario, zapatos, complementos y peinado que no esté totalmente vigente?